Recenzje

Architektura muzealna

Architektura muzealna


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Wszystkie muzea NIE wyglądają tak samo. Architekci tworzą niektóre ze swoich najbardziej innowacyjnych prac, projektując muzea, galerie sztuki i centra wystawowe. Budynki w tej galerii zdjęć nie tylko mieszczą sztukę - są sztuką.

Muzeum Suzhou, Chiny

2006 przez I.M. Pei, Architekt Widok ogrodu Muzeum Suzhou w Suzhou, Jiangsu, Chińska Republika Ludowa. I.M. Pei Architect z Pei Partnership Architects. Ukończone w 2006 roku. Zdjęcie Kerun Ip dla American Masters, „I.M. Pei: Building China Modern”

Chińsko-amerykański architekt Ieoh Ming Pei włączył tradycyjne azjatyckie idee, projektując muzeum starożytnej sztuki chińskiej.

Muzeum Suzhou w Suzhou w Jiangsu w Chińskiej Republice Ludowej wzorowane jest na rezydencji księcia Zhonga. Architekt I.M. Pei zastosował tradycyjne bielone ściany gipsowe i ciemnoszare dachy z gliny.

Chociaż muzeum ma wygląd starożytnej chińskiej konstrukcji, wykorzystuje trwałe, nowoczesne materiały, takie jak stalowe belki dachowe.

Muzeum Suzhou pojawia się w dokumencie PBS American Masters TV, I.M. Pei: Building China Modern

Eli i Edythe Broad Art Museum

2012 autorstwa Zaha Hadid, architekta Eli i Edythe Broad Art Museum, zaprojektowanego przez Zaha Hadid. Zdjęcie prasowe Paula Warchola. Resnicow Schroeder Associates, Inc. (RSA). Wszelkie prawa zastrzeżone.

Laureat nagrody Pritzkera, architekt Zaha Hadid, zaprojektował dramatyczne nowe muzeum sztuki dla Michigan State University w East Lansing.

Projekt Zaha Hadid dla Muzeum Eli i Edythe Broad Art jest zaskakująco dekonstruktywistyczny. Śmiałe kanciaste kształty renderowane w szkle i aluminium - czasami budynek ma groźny wygląd rekina z otwartymi ustami - tworzy niekonwencjonalny dodatek do kampusu Uniwersytetu Stanowego Michigan (MSU) we wschodnim Lansing. Muzeum zostało otwarte 10 listopada 2012 r.

Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku

1959 Frank Lloyd Wright, architekt Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork, otwarty 21 października 1959 r. Zdjęcie © The Solomon R. Guggenheim Foundation, Nowy Jork

Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku jest przykładem wykorzystania przez Franka Lloyda Wrighta stylizacji na półkole.

Wright stworzył Muzeum Guggenheima jako serię organicznych kształtów. Okrągłe kształty opadają spiralnie w dół, jak wnętrze skorupy łodzika. Odwiedzający muzeum rozpoczynają się na wyższym poziomie i podążają opadającą rampą w dół przez połączone przestrzenie wystawowe. U podstaw otwarta rotunda oferuje widoki dzieł sztuki na kilku poziomach.

Frank Lloyd Wright, znany ze swojej pewności siebie, powiedział, że jego celem było „uczynienie budynku i obrazu nieprzerwaną, piękną symfonią, jakiej nigdy wcześniej nie było w Świecie Sztuki”.

Malowanie Guggenheima

W najwcześniejszych rysunkach Guggenheima Franka Lloyda Wrighta ściany zewnętrzne były z czerwonego lub pomarańczowego marmuru z miedzianymi paskami u góry iu dołu. Kiedy muzeum zostało zbudowane, kolor był bardziej subtelny brązowo-żółty. Przez lata ściany były przemalowywane na prawie biały odcień szarości. Podczas ostatnich prac konserwatorskich konserwatorzy zapytali, które kolory będą najbardziej odpowiednie.

Usunięto do jedenastu warstw farby, a naukowcy użyli mikroskopów elektronowych i spektroskopów w podczerwieni do analizy każdej warstwy. Ostatecznie Komisja Ochrony Zabytków w Nowym Jorku postanowiła utrzymać muzeum na biało. Krytycy narzekali, że Frank Lloyd Wright wybrałby odważniejsze barwy, a proces malowania muzeum wzbudził wiele kontrowersji.

Muzeum Żydowskie w Berlinie, Niemcy

1999 (otwarty w 2001 r.) Daniel Libeskind, architekt Muzeum Żydowskie w Berlinie. Zdjęcie prasowe Günter Schneider © Jüdisches Museum Berlin

Zygzakowate Muzeum Żydowskie pokryte cynkiem jest jednym z najbardziej znanych zabytków Berlina i przyniosło międzynarodową sławę architektowi Danielowi Libeskindowi.

Muzeum Żydowskie w Berlinie było pierwszym projektem budowlanym Libeskinda i przyniosło mu uznanie na całym świecie. Od tego czasu urodzony w Polsce architekt zaprojektował wiele nagradzanych konstrukcji i wygrał wiele konkursów, w tym Master Plan for Ground Zero na stronie World Trade Center w Nowym Jorku.

Oświadczenie Daniela Libeskinda:

Budynek może być postrzegany jako niedokończona podróż. Może obudzić nasze pragnienia, zaproponować wymyślone wnioski. Nie chodzi o formę, obraz czy tekst, ale o doświadczenie, którego nie należy symulować. Budynek może nas obudzić, że nigdy nie był niczym więcej niż wielkim znakiem zapytania… Wierzę, że ten projekt łączy Architekturę z pytaniami, które są teraz istotne dla wszystkich ludzi.

Komentarz profesora Bernda Nicolai, University of Trier:

Muzeum Żydowskie Berlin autorstwa Daniela Libeskinda jest jednym z najbardziej rzucających się w oczy zabytków architektury w Berlinie. Na południowym obszarze Friedrichstadt, który został poważnie zniszczony podczas wojny i nie do poznania po powojennej rozbiórce, Libeskind zaprojektował budynek, który ucieleśnia pamięć, melancholię i odejście. Dzięki projektantowi stał się symbolem architektonicznym w konkretnym dyskursie żydowskim, którego rdzeniem jest historia Niemiec i historia miasta po 1933 r., Która zakończyła się „całkowitą katastrofą”.

Zamiarem Libeskinda było wyrażenie kalejdoskopie linii i pęknięć miasta w formie architektonicznej. Konfrontacja budynku Muzeum Żydowskiego Libeskinda z przylegającym do niego klasycznym budynkiem autorstwa berlińskiego architekta miasta, Mendelsohna, nie tylko określa dwie główne cechy architektury XX wieku, ale także ujawnia stratygrafię historycznego krajobrazu - przykładowe ukazanie relacji Żydów i Niemców w tym mieście .

Dodatkowe projekty:

W 2007 r. Libeskind zbudował szklany baldachim na dziedziniec Starego Budynku, architektoniczną fuzję barokowego Collegienhaus z 1735 r. Z postmodernistycznym budynkiem Libeskinda z XX wieku. Szklany dziedziniec jest konstrukcją wolnostojącą, wspartą na czterech drzewiastych kolumnach. W 2012 roku Libeskind ukończył kolejny budynek kompleksu muzealnego - Akademię Muzeum Żydowskiego w Berlinie w budynku Erica F. Rossa.

Muzeum sztuki Herberta F. Johnsona na Uniwersytecie Cornell

1973: Pei Cobb Freed & Partners, Architekci I.M. Pei, Architekt - Herbert F. Johnson Museum of Art na Cornell University. Zdjęcie © Jackie Craven

Ogromna betonowa płyta Herbert F. Johnson Museum of Art na Uniwersytecie Cornell wznosi się na 1000-metrowym zboczu z widokiem na jezioro Cayuga w Ithaca w stanie Nowy Jork.

I.M. Pei i członkowie jego firmy chcieli wydać dramatyczne oświadczenie bez blokowania malowniczych widoków na jezioro Cayuga. Powstały projekt łączy masywne prostokątne formy z otwartymi przestrzeniami. Krytycy nazywają Muzeum Sztuki Herberta F. Johnsona zarówno odważnym, jak i przejrzystym.

Państwowe Muzeum São Paulo w São Paulo, Brazylia

1993 autor: Paulo Mendes da Rocha, architekt Brazylijskie Państwowe Muzeum São Paulo w São Paulo, Brazylia, autor: Paulo Mendes da Rocha, laureat nagrody Pritzker Architecture 2006. Zdjęcie © Nelson Kon

Laureat nagrody Pritzkera, architekt Paulo Mendes da Rocha, znany jest z odważnej prostoty i innowacyjnego zastosowania betonu i stali.

Zaprojektowane przez architekta Ramosa de Azevedo pod koniec XIX wieku w Państwowym Muzeum w São Paulo mieściła się kiedyś Szkoła Sztuki i Rzemiosła. Zapytany o renowację klasycznego, symetrycznego budynku, Mendes da Rocha nie zmienił wyglądu zewnętrznego. Zamiast tego skupił się na wnętrzach.

Mendes da Rocha pracował nad organizacją przestrzeni galerii, tworzył nowe przestrzenie i rozwiązał problemy z wilgocią. Szklane dachy obramowane metalem umieszczono nad dziedzińcem centralnym i bocznym. Ramy zostały usunięte z wewnętrznych otworów okiennych, aby zapewnić widok z zewnątrz. Centralny dziedziniec został przekształcony w lekko zatopioną widownię, która pomieści 40 osób. Metalowe wybiegi zostały zainstalowane przez dziedzińce, aby połączyć galerie na wyższych poziomach.

~ Komitet Nagrody Pritzkera

Brazylijskie Muzeum Rzeźby w São Paulo, Brazylia

1988 autor: Paulo Mendes da Rocha, architekt Brazylijskie muzeum rzeźby w São Paulo, Brazylia, projekt: Paulo Mendes da Rocha, laureat nagrody Pritzker Architecture 2006. Zdjęcie © Nelson Kon

Brazylijskie muzeum rzeźby mieści się na trójkątnym placu o powierzchni 75 000 stóp kwadratowych na głównej arterii w São Paulo w Brazylii. Zamiast tworzyć wolnostojący budynek architekt Paulo Mendes da Rocha potraktował muzeum, a krajobraz potraktowano jako całość.

Duże betonowe płyty tworzą częściowo podziemne przestrzenie wewnętrzne, a także tworzą zewnętrzny plac z basenami z wodą i esplanadą. Ogromna belka o długości 97 stóp i szerokości 39 stóp tworzy muzeum.

~ Komitet Nagrody Pritzkera

Narodowe Muzeum Pamięci i 11 września w Nowym Jorku

Ocalałe trójzęby ze zniszczonych Bliźniaczych Wież są wyeksponowane przy wejściu do Narodowego Muzeum Pamięci 11 września. Zdjęcie: Spencer Platt / Getty Images News Collection / Getty Images

Narodowy Pomnik z 11 września obejmuje muzeum z artefaktami z oryginalnych budynków, które zostały zniszczone 11 września 2001 r. Przy wejściu do wysokiego szklanego atrium znajdują się dwie kolumny w kształcie trójzębu uratowane z ruin Bliźniaczych Wież.

Zaprojektowanie muzeum o takim zakresie w ramach ochrony zabytków jest długim i zaangażowanym procesem. Plany obejmowały wiele przekształceń, gdy architekt Craig Dykers ze Snøhetta zintegrował podziemny budynek muzeum z Miejscem Pamięci o 11 września znanym jako Odzwierciedlając nieobecność. Wnętrze muzeum zostało zaprojektowane przez Davisa Brody Bonda z wizją J. Maxa Bonda, Jr.

Narodowe Miejsce Pamięci i Muzeum z 11 września uhonorowano tych, którzy zginęli w atakach terrorystycznych 11 września 2001 r. I 26 lutego 1993 r. Podziemne muzeum zostało otwarte 21 maja 2014 r.

Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMoMA)

1995 autorstwa Mario Botty, architekta San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, Kalifornia. Zdjęcie DEA - kolekcja biblioteki obrazów De Agostini / Getty Images (przycięte)

SFMoMA ma powierzchnię 225 000 stóp kwadratowych i jest jednym z największych północnoamerykańskich budynków poświęconych sztuce współczesnej.

Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco było pierwszą amerykańską komisją dla szwajcarskiego architekta Mario Botty. Modernistyczny budynek został otwarty z okazji 60. rocznicy SFMoMA i po raz pierwszy dostarczył wystarczająco dużo miejsca w galerii, aby wyświetlić pełną kolekcję sztuki nowoczesnej SFMoMA.

Stalowa rama pokryta jest teksturowanym i wzorzystym murem, jednym z znaków rozpoznawczych Botty. Pięciopiętrowa wieża z tyłu składa się z galerii i biur, a jej konstrukcja pozwala na dalszą rozbudowę.

Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco zawiera również wiele funkcji zorientowanych na społeczność, w tym teatr na 280 miejsc, dwie duże sale warsztatowe, przestrzeń na wydarzenia, sklep muzealny, kawiarnię, bibliotekę z 85 000 książek i salę lekcyjną. Wewnętrzna przestrzeń jest zalana naturalnym światłem, dzięki świetlikom na stromym dachu i na szczycie atrium centralnego, które wychodzi z dachu.

East Wing, National Gallery w Waszyngtonie

1978 Ieoh Ming Pei, architekt East Wing, National Gallery w Waszyngtonie. Zdjęcie Nagrody Pritzkera - Przedruk za zgodą

I.M. Pei zaprojektował skrzydło muzeum, które kontrastowałoby z klasycznym wystrojem otaczających budynków. Pei stanął przed kilkoma wyzwaniami, projektując East Wing dla National Gallery w Waszyngtonie. Działka miała nieregularny kształt trapezu. Otaczające budynki były wspaniałe i imponujące. Sąsiedni budynek zachodni, ukończony w 1941 r., Był klasyczną konstrukcją zaprojektowaną przez Johna Russella. Jak nowe skrzydło Pei mogło pasować do działki o dziwnym kształcie i harmonizować z istniejącymi budynkami?

Pei i jego firma zbadali wiele możliwości i naszkicowali liczne plany dotyczące profilu zewnętrznego i dachu atrium. Wczesne szkice koncepcyjne Pei można obejrzeć na stronie internetowej National Gallery.

Sainsbury Centre for Visual Arts, University of East Anglia, Wielka Brytania

Sainsbury Centre for Visual Arts, University of East Anglia w Norwich, Norfolk, Wielka Brytania.

acmanley / Getty Images (przycięty)

 

High-Tech design to znak rozpoznawczy zdobywcy nagrody Pritzkera, Sir Normana Fostera.

Sainsbury Center, ukończony w latach 70. XX wieku, to tylko jedna z długiej listy projektów Fostera.

Centrum Pompidou

Richard Rogers & Renzo Piano, Architekci Centrum Pompidou we Francji, 1971–1977. Zdjęcie David Clapp / Oxford Scientific / Getty Images (przycięte)

Zaprojektowane przez nagradzanych przez Pritzkera architektów Renzo Piano i Richarda Rogersa Centre Georges Pompidou w Paryżu zrewolucjonizowało projekt muzeum.

Muzea przeszłości były elitarnymi zabytkami. Natomiast Pompidou zostało zaprojektowane jako ruchliwe centrum działań społecznych i wymiany kulturalnej.

Dzięki belkom nośnym, kanałom i innym elementom funkcjonalnym umieszczonym na zewnątrz budynku Centre Pompidou w Paryżu wydaje się być wywrócone na lewą stronę, odsłaniając jego wewnętrzne funkcjonowanie. Centrum Pompidou jest często cytowane jako przełomowy przykład architektury High-Tech.

Luwr

1546–1878 autorstwa Pierre'a Lescot'a, architekta The Louvre / Musee du Louvre. Zdjęcie: Grzegorz Bajor / Moment Collection / Źródło: Flickr Vision / Getty Images

Catherine de Medici, J. A. du Cerceau II, Claude Perrault i wielu innych, przyczyniło się do zaprojektowania masywnego Luwru w Paryżu we Francji.

Luwr, zbudowany w 1190 roku i zbudowany z kamienia ciętego, jest arcydziełem francuskiego renesansu. Architekt Pierre Lescot był jednym z pierwszych, który zastosował czysto klasyczne pomysły we Francji, a jego projekt nowego skrzydła w Luwrze określił jego dalszy rozwój.

Z każdym nowym dodatkiem, pod każdym nowym władcą, przekształcone w pałac muzeum nadal tworzyło historię. Charakterystyczny podwójny dach mansardowy zainspirował projekt wielu XVIII-wiecznych budynków w Paryżu oraz w całej Europie i Stanach Zjednoczonych.

Chińsko-amerykański architekt Ieoh Ming Pei wywołał wielkie kontrowersje, kiedy zaprojektował surową szklaną piramidę, która ma służyć jako wejście do muzeum. Szklana piramida Pei została ukończona w 1989 roku.

Piramida Luwru

1989 Ieoh Ming Pei, architekt The Pyramid w Luwrze w Paryżu, Francja. Zdjęcie: Harald Sund / The Image Bank / Getty Images

Tradycjonaliści byli zszokowani, gdy urodzony w Chinach amerykański architekt I. M. Pei zaprojektował tę szklaną piramidę przy wejściu do Luwru w Paryżu we Francji.

Luwr, rozpoczęty w 1190 roku w Paryżu, we Francji, jest obecnie uważany za arcydzieło architektury renesansowej. Dodatek I.M. Pei z 1989 roku obejmuje nietypowe układy geometrycznych kształtów. Stojący 71 metrów wysokości Pyramid du Louvre został zaprojektowany tak, aby wpuszczać światło do centrum recepcyjnego muzeum, a nie zasłaniać renesansowego arcydzieła.

Laureat nagrody Pritzkera, architekt I.M. Pei jest często chwalony za kreatywne wykorzystanie przestrzeni i materiałów.

Centrum sztuki brytyjskiej Yale w New Haven, Connecticut

1974 autor: Louis I. Kahn, architekt Yale Centre for British Art, Louis Kahn, architekt. Zdjęcie © Jackie Craven

Zaprojektowane przez modernistycznego architekta Louisa I. Kahna Yale Centre for British Art to masywna betonowa konstrukcja zorganizowana w kratownice przypominające pomieszczenia.

Ukończone po jego śmierci Yale Center for British Art Louisa I. Kahna składa się ze zorganizowanej siatki kwadratów. Proste i symetryczne, 20-metrowe przestrzenie kwadratowe są rozmieszczone wokół dwóch wewnętrznych kortów. Świetliki kasetonowe oświetlają wnętrza.

Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles (MOCA)

1986 Arata Isozaki, architekt The Museum of Contemporary Art, centrum Los Angeles w Kalifornii. Zdjęcie: David Peevers / Lonely Planet Images / Getty Images

Muzeum Sztuki Współczesnej (MOCA) w Los Angeles w Kalifornii było pierwszym budynkiem Araty Isozaki w Stanach Zjednoczonych.

Przy wejściu do Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles naturalne światło świeci przez piramidalne świetliki.

Kompleks budynków z czerwonego piaskowca obejmuje hotel, apartamenty i sklepy. Dziedziniec oddziela dwa główne budynki.

The Tate Modern, London Bankside, Wielka Brytania

Tate Modern, adaptacyjne ponowne wykorzystanie przez laureatów Nagrody Pritzera Herzog & de Meuron. Zdjęcie: Scott E. Barbour / The Image Bank Collection / Getty Images

Zaprojektowany przez laureatów nagrody Pritzkera Herzog & de Meuron, Tate Modern w Londynie jest jednym z najbardziej znanych na świecie przykładów adaptacyjnego ponownego wykorzystania.

Ogromne muzeum sztuki zaprojektowano ze skorupy starej, nieestetycznej elektrowni Bankside nad Tamizą w Londynie. Do odbudowy konstruktorzy dodali 3750 ton nowej stali. Przemysłowa szara Turbina Hali przebiega prawie na całej długości budynku. Jej wysoki na 115 stóp sufit jest oświetlony przez 524 tafle szkła. Elektrownia została zamknięta w 1981 r., A muzeum otwarte w 2000 r.

Herzog i de Meuron, opisując swój projekt South Bank, stwierdzili: „To ekscytujące, że mamy do czynienia z istniejącymi strukturami, ponieważ związane z tym ograniczenia wymagają zupełnie innego rodzaju kreatywnej energii. W przyszłości będzie to coraz ważniejsza kwestia w europejskich miastach Nie zawsze możesz zacząć od zera.

„Uważamy, że jest to wyzwanie dla Tate Modern jako hybrydy tradycji, Art Deco i super modernizmu: jest to budynek współczesny, budynek dla każdego, budynek XXI wieku. A kiedy nie zaczynasz od zera , potrzebujesz konkretnych strategii architektonicznych, które nie są motywowane przede wszystkim gustem lub preferencjami stylistycznymi. Preferencje takie raczej coś wykluczają niż zawierają.

„Naszą strategią było zaakceptowanie fizycznej siły ogromnego, przypominającego góry budynku z cegły Bankside, a nawet ulepszenie go zamiast rozbijania go lub próbowania zmniejszenia. Jest to rodzaj strategii Aikido, w której używasz energii wroga do własnych celów. Zamiast z nim walczyć, bierzesz całą energię i kształtujesz ją w nieoczekiwany i nowy sposób ”.

Architekci Jacques Herzog i Pierre de Meuron nadal przewodzili zespołowi projektowemu, aby dalej przekształcać starą elektrownię, tworząc nową, dziesięciopiętrową ekspansję zbudowaną na szczycie The Tanks. Rozszerzenie zostało otwarte w 2016 r.

Muzeum Historii Holokaustu w Yad Vashem, Jerozolima, Izrael

2005 autorstwa Moshe Safdiego, architekta Yad Vashem w Jerozolimie, Izrael, zaprojektowany przez architekta Moshe Safdiego, otwarty w 2005 roku. Zdjęcie: David Silverman / Getty Images, © 2005 Getty Images

Yad Vashem to kompleks muzealny poświęcony historii Holokaustu, sztuce, pamięci i badaniom.

Prawo Yad Vashem z 1953 r. Zapewnia pamięć o Żydach zamordowanych podczas II wojny światowej. Zapewnienie a Jad Waszem, często przetłumaczone z Izajasza 56: 5 jako miejsce i nazwa, jest zobowiązaniem Izraela do troski o pamięć milionów, które cierpiały i zaginęły, zbiorowo i indywidualnie. Urodzony w Izraelu architekt Moshe Safdie spędził dziesięć lat współpracując z urzędnikami, aby odbudować przeszłe wysiłki i opracować nowy, stały pomnik ojczyzny.

Architekt Moshe Safdie własnymi słowami:

„I zaproponowałem, żebyśmy przecięli górę. To był mój pierwszy szkic. Wystarczy przeciąć całe muzeum przez wejście do góry z jednej strony góry, wyjść po drugiej stronie góry, a następnie przynieść światło przez góra do komnat. ”

„Przechodzisz przez most, wchodzisz do tego trójkątnego pokoju o wysokości 60 stóp, który wciąga prosto w wzgórze i rozciąga się, idąc w kierunku północnym. A zatem wszystkie galerie są pod ziemią i widzisz otwory na światło. A w nocy tylko jedna linia światła przecina górę, która jest świetlikiem na szczycie tego trójkąta. A wszystkie galerie, gdy się przez nie poruszasz, są poniżej klasy. I są komory wyrzeźbione w skalnych, betonowych ścianach, kamieniu, naturalnej skale, jeśli to możliwe - z szybami świetlnymi… A potem, idąc na północ, otwiera się: wypada z góry, ponownie, na widok światła i miasto i wzgórza jerozolimskie ”.

Źródło cytatów: Prezentacja technologii, rozrywki, projektowania (TED), O wyjątkowości budynku, marzec 2002

Muzeum Whitneya (1966)

1966 Marcel Breuer, architekt Whitney Museum of American Art Zaprojektowany przez Marcel Breuer, NYC, 1966. Zdjęcie Maremagnum / Photolibrary Collection / Getty Images

Odwrócony ziggurat Marcela Breuera jest od lat 60. ikoną świata sztuki. Jednak w 2014 roku Whitney Museum of American Art zamknęło swoją wystawę w tej lokalizacji w centrum Nowego Jorku i udało się do dzielnicy Meatpacking District. Muzeum Whitneya 2015 Renzo Piano, znajdujące się w historycznie przemysłowej dzielnicy Manhattanu, jest dwa razy większe. Architekt John H. Beyer, FAIA, z Beyer Blinder Belle kierował zespołem, aby zapisać i odnowić projekt Breuera dla Metropolitan Museum of Art. Przemianowany budynek Met Breuer stanowi rozszerzenie przestrzeni wystawienniczej i edukacyjnej tego muzeum.

Szybkie fakty o muzeum sztuki amerykańskiej Breuera Whitneya:

Lokalizacja: Madison Avenue i 75th Street, Nowy Jork
Otwierany: 1966
Architekci: Marcel Breuer i Hamilton P. Smith
Styl: Brutalizm

Ucz się więcej:

  • Kim jest Marcel Breuer?
  • A Bauhaus Life: Too International for America?
  • Oda do brutalisty Breuera Whitneya, gdy muzeum przenosi się do nowego centrum w centrum Karrie Jacobs, Architekt Czasopismo
  • Whitney Museum of American Art autor: Ezra Stoller, Princeton Architectural Press Building Block Series, 2000

Źródło: Budynek Breuer na whitney.org, dostępny 26 kwietnia 2015 r

Muzeum Whitneya (2015)

2015 autor: Renzo Piano Workshop, Architekci Whitney Museum of American Art Zaprojektowany przez Renzo Piano Workshop, NYC, 2015. Zdjęcie Spencer Platt / Getty Images News Collection / Getty Images

Zewnętrzne przestrzenie publiczne w pobliżu wysokiej linii High Line zapewniają 8500 stóp kwadratowych tego, co nazywa Renzo Piano Largo. Asymetrycznie nowoczesny budynek Piano zastępuje budynek Brutalist Marcela Breuera z 1966 r., Whitney Museum przy 75th Street.

Najważniejsze fakty na temat muzeum sztuki amerykańskiej Piano's Whitney:

Lokalizacja: Meatpacking District w Nowym Jorku (99 Gansevoort St. między Waszyngtonem a Zachodem)
Otwierany: 1 maja 2015 r
Architekci: Renzo Piano z Cooperem Robertsonem
Historie: 9
Materiały budowlane: Beton, stal, kamień, zregenerowane podłogi z desek sosnowych i szkło o niskiej zawartości żelaza
Kryty obszar wystawienniczy: 50 000 stóp kwadratowych (4600 metrów kwadratowych)
Galerie zewnętrzne i taras: 13 000 stóp kwadratowych (1200 metrów kwadratowych)

Po tym, jak huragan Sandy zniszczył znaczną część Manhattanu w październiku 2012 r., Muzeum Whitney zwerbowało inżynierów WTM z Hamburga w Niemczech do wprowadzenia zmian projektowych podczas budowy Whitney. Ściany fundamentu zostały wzmocnione bardziej hydroizolacją, przeprojektowano system odwadniający konstrukcję, a „mobilny system barier przeciwpowodziowych” jest dostępny, gdy powódź jest nieuchronna.

Źródło: Arkusz informacyjny dotyczący nowej architektury i projektowania budynków, kwiecień 2015 r., Nowy zestaw prasowy Whitney, dostęp do biura prasowego Whitney 24 kwietnia 2015 r.

Muzeum jutra, Rio de Janeiro, Brazylia

Widok z lotu ptaka na Muzeum Jutra (Museu do Amanhã) zaprojektowane przez Santiago Calatrava w Rio de Janeiro, Brazylia. Zdjęcie Matthew Stockman / Getty Images Sport / Getty Images

Hiszpański architekt / inżynier Santiago Calatrava zaprojektował morskiego potwora z muzeum na molo w Rio de Janeiro w Brazylii. Museu do Amanhã, zawierający wiele elementów stylistycznych znalezionych w jego centrum transportowym w Nowym Jorku, otworzył się na wielką fanfarę w 2015 roku, przed Igrzyskami Olimpijskimi w Rio następnego lata.



Uwagi:

  1. Varek

    Wiarygodna wiadomość :), ciekawa ...

  2. Teddy

    Tylko w Apple

  3. Arazil

    Lepiej się zamknę, może



Napisać wiadomość